ENOUGH

Assistente alla coreografia Fabrizio Calanna 
Sound design e musica originale Marcello Gori 
Progetto luci Alessandro Barbieri 
Costumi Maria Barbara De Marco 
Scene Maria Croce 

Produzione SPACCA / Sanpapié 
Con il contributo di 
Ministero della Cultura (MiC) 
Regione Emilia-Romagna – Legge Regionale 13/99 
Comune di Milano – Attività di spettacolo a carattere continuativo 
 

 “Never seek to tell thy love, 
Love that never told can be: 
For the gentle wind does move 
Silently, Invisibly…” 
— William Blake 

Un duetto maschile che esplora la natura del doppio: non come opposizione binaria, ma come coabitazione impossibile di due spinte interne – la tensione verticale della mente, che cerca il controllo attraverso la rinuncia, e l’impulso centrifugo del corpo, che desidera, eccede, si lascia divorare dal mondo. In scena non due personaggi, ma un solo organismo diviso, fratturato, che si sdoppia per poter essere visto, analizzato, esploso. Il movimento nasce dalla distanza tra queste forze, si costruisce su slittamenti, attriti, deviazioni. È una danza non della fusione, ma della separazione necessaria, della vicinanza che brucia proprio perché irrealizzabile. 

Il lavoro si ispira al romanzo Narciso e Boccadoro di Hermann Hesse, non come semplice dualismo tra spirito e carne, ma come enigma dell’identità che si fonde con una relazione di amicizia, amore, affinità elettiva. Narciso, chiuso nella contemplazione, nel rigore dell’interiorità, rifugge il mondo perché lo sente troppo denso, troppo rumoroso, troppo vivo per essere abitato senza perdersi. Boccadoro, al contrario, si lascia attraversare dalla vita, dalla bellezza, dalla materia; ama perdutamente ciò che lo consuma. Ma l’uno è per l’altro ciò che manca, ciò che completa e che ferisce. Non c’è unione possibile, solo eco, distanza, memoria viva dell’altro come impossibilità. 

La danza si inscrive in questa soglia: è forma instabile, tensione mai pacificata, spazio in cui il desiderio di unità genera movimento ma non lo placa. Le traiettorie dei corpi sono prossime ma sfalsate, sincronizzate solo nel momento dello scarto. Il contatto è tentazione e fallimento. Ogni gesto è un avvicinamento che contiene già il proprio rifiuto. 

Coreograficamente, il lavoro rifiuta l’equilibrio formale in favore di un movimento che si costruisce come tensione dinamica: un corpo cerca l’elevazione, l’altro l’immanenza. I pesi sono sbilanciati, i respiri sfasati, le strutture si rompono per poi ricomporsi altrove, come in una fuga musicale dove il tema è la mancanza. Non c’è redenzione, né apoteosi, ma solo la possibilità di abitare consapevolmente una distanza: come due poli magnetici che non si toccano mai, ma senza i quali non esisterebbe alcun campo. 

Esiste dello spettacolo una versione STUDIO Ø che nasce per musei, gallerie, architetture industriali, edifici storici, paesaggi naturali e altri contesti non teatrali. Non è una riduzione dello spettacolo, ma un'altra possibilità di incontro tra coreografia, spazio e pubblico. Ogni luogo contribuisce alla costruzione dell'esperienza. L'architettura non fa da sfondo, ma suggerisce traiettorie, distanze, tempi e punti di vista; il pubblico condivide lo stesso spazio dei performer e la prossimità modifica profondamente la percezione della danza, rendendo visibili dettagli normalmente invisibili: il respiro, il peso, l'attesa, la qualità dell'ascolto e della relazione. Con una durata di 25 minuti, STUDIO Ø è particolarmente adatto a festival, mostre e programmi performativi e può essere presentato fino a due repliche nella stessa giornata. Ogni presentazione viene sviluppata a seguito di un sopralluogo, adattando l'allestimento alle caratteristiche del luogo ospitante.